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Interviste

Il colore degli opposti: intervista a Igorrr

Lo scorso 27 marzo Igorrr è tornato sulle scene con prepotenza grazie al nuovo album “Spirituality And Distortion“, un lavoro che racchiude più di un’anima, racchiusa nel cuore del deserto. Ne abbiamo approfittato per parlarne con Gautier Serre, mente e spirito dietro al progetto.

Ciao Gautier, anzitutto sappi che ogni volta che esce un nuovo album a nome Igorrr noi di Impatto Sonoro siamo sempre in trepidante attesa, e lo stesso vale per “Spirituality And Distortion”, e non tanto per dire, siamo proprio in fissa. Cosa provi nei confronti di questo album e qual è stata la sua genesi? 

È molto bello sentirtelo dire, grazie mille per il vostro interesse verso Igorrr. Sono davvero felice che noi si sia riusciti a fare questo album. Tutte le volte è una vera sfida, dico sul serio, ci metto davvero il mille percento di tutta la mia vita per fare quel che faccio e ad essere onesto sono contento di essere vivo stringendo nelle mani questo lavoro. Da un album all’altro non uso mai la stessa ricetta, né le stesse idee o le stesse impostazioni, è sempre qualcosa di nuovo, qualcosa da cui ho molto da imparare. Anche questa volta mi sono imbarcato in un viaggio lungo, difficile e completamente sconosciuto, non sapendo dove mi avrebbe portato né se sarebbe stato buono oppure no. Non sapevo neppure se sarei riuscito a completare il disco, sono andato avanti ad istinto, come nella nebbia. A volte questo processo può risultare rischioso dato che investi tutta la tua vita e il tuo denaro in qualcosa che non ha una garanzia di successo, e che crei esclusivamente per appagare la tua personale idea di perfezione musicale, che spesso è decisamente soggettiva. Ora che la musica è stata scritta sono felice e fiero e sento di avere per le mani qualcosa di estremo valore. Adesso dirò qualcosa che dicono tutte le band quando pubblicano un nuovo album, ma è la verità: sento che questo è il mio miglior album. Lo penso davvero. La nostra prospettiva del futuro è molto connessa alla parte live, vogliamo condividere questa musica col mondo. È eccitante: qualcuno la capirà e condividerà il suo amore per quello che abbiamo scritto, qualcuno la temerà, o semplicemente la odierà, ma sarà una cosa intensa e non sto più nella pelle!

Il titolo sembra essere una sorta di ossimoro, due parole che potrebbero cozzare l’una con l’altra, ma ascoltando il disco non solo si incrociano, ma pare riescano a sovrapporsi. Dici che l’idea è nata dalla commistione di strumenti distorti e profondi suoni orientali. Per te cosa sono spiritualità e distorsione? 

È  un po’ come una versione extreme music dello Yin e dello Yang. In questo album, “Distortion” è la parte che simboleggia ciò che c’è di sbagliato nella nostra vita e di cui dobbiamo liberarci. “Spirituality”, invece, è quello di cui abbiamo bisogno per fronteggiare ciò che è diventata la nostra vita, oggi, così piena di ingiustizie e nonsense. Il titolo rappresenta quanto sia difficile trovare l’equilibrio tra queste due realtà, oltre ad essere un concetto molto portante in Igorrr: il contrasto. In “Spirituality And Distortion” potete trovare un bellissimo contrasto tra due cose opposte, due sentimenti opposti che si esplicano molto bene l’un con l’altro. Prendi Downgrade Desert, Overweight Poesy o Himalaya Massive Ritual: puoi sperimentare la profondità della musica spirituale, con gli strumenti e le voci mediorientali e tibetane e nel mentre ci trovi una batteria e un riff di chitarra brutali. È questo il contrasto di cui parlo. Lo stesso vale per Nervous Waltz: inizia con una bella aria barocca leggiadra, completamente annientata dalla successiva parte death metal. Quel che intendo è che il rumore sarà davvero rumoroso solo se lo contrapponi al suo contrario: il silenzio. Allo stesso modo il silenzio sarà tanto silenzioso quanto più lo opporrai al rumore. Il titolo “Spiritualty And Distortion” esprime quest’idea forte, sia in questo album che nell’intera discografia di Igorrr.

Sul disco abbondano, per l’appunto, suoni e strumenti orientali. Perché e quando hai scelto di utilizzarli includendoli? Ho trovato molti punti in comune con la musica dei Secret Chiefs 3 (infatti hai incluso due loro collaboratori nel progetto), e non è una cosa che si sente più tanto, soprattutto parlando di musica estrema, ed è un peccato.

Le sonorità orientali sono state la migliore soluzione per esprimere ciò che avevo in testa in questi anni: l’impellente e profondo bisogno di spiritualità che ha il mondo in cui viviamo. Ciò che stiamo facendo al mondo non va bene, e possiamo sentirlo, è così pieno di insensatezza ed ingiustizia. Questa sensazione ha ispirato in me qualcosa che potevo esprimere solo attraverso con il colore rosso/arancio che danno l’oud in Downgrade Desert, il sitar e le percussioni in Himalaya Massive Ritual ed il kinoun in Overweigh Poesy o anche, in maniera molto più folle, la chitarra orientaleggiante su Camel Dancefloor. Questo è il colore del suono di cui aveva bisogno. Fai bene a menzionare i Secret Chiefs 3 siccome sull’album ci sono due loro collaboratori, Timba Harris e Matt Lebofsky, ma è un caso che ci abbiano suonato entrambi, poiché li ho scelti per il colore del loro sound e per il loro fantastico modo di suonare. Anch’io oggi vorrei sentire e vedere più influenze mediorientali nella musica estrema.

Leggevo nel track-by-track di questa connessione tra musica e un certo tipo di colori, ed è un concetto affascinante, in tanti li hanno teorizzati (da Goethe a, ovviamente, un’infinità di artisti), tu come li catalogheresti? Parli di rosso ed arancio, ma ad esempio non li avete utilizzati per la copertina, che invece si divide tra oscurità e luce.

In effetti c’è quella che potremmo chiamare sinestesia, che unisce colori e suoni, così da un parte a volte quando sento un determinato suono vedo un colore, dall’altra posso “dipingere” le mie tracce, usando gli strumenti come diversi tipi di vernice. Non ne avevo contezza finché non ne ho parlato con un mio amico, credendo, a quel tempo, che tutti lo facessero. Non ho usato quei colori per la copertina poiché l’avrebbero resa troppo colorata e caotica. La musica è comunque molto oscura e la copertina esprime qualcosa di diverso rispetto ad una pragmatica lista di tutti i colori che puoi trovare nel disco, è più simbolica, come una forma di vita che combatte per sopravvivere e che emerge in un ambiente morto come il deserto. Il colore giallo/arancio è perfetto per esprimere quell’essere “vivente”, in perfetto contrasto con il buio del deserto. 

Sin da “Nostril” il sound di Igorrr si è inasprito sempre di più, in qualche modo si è “complicato”, diventando sempre più sfaccettato. Come la vedi oggi questa evoluzione? Ad ogni disco sembra che la musica sia sempre più estrema.

Penso che il progetto abbia seguito una naturale sua evoluzione. È partito con me che pasticciavo con sample barocchi e musica death metal digitale come base sperimentale ed è arrivato ad oggi in cui ho la possibilità di registrare da solo un clavicembalo in studi magnifici, o batterie, chitarre e bassi reali, ma sempre con la stessa volontà ben fissa in testa. Siccome la musica che faccio è molto caratteristica, non riesco a trovare sample per tutto quel di cui ho bisogno, ad un certo punto non credo esistano sample di ciò che cerco, perciò, avendo l’opportunità di registrare oud, kanoun, violoncello, archi, pianoforte, clavicembalo, fisarmonica ed ogni sorta di cosa folle mi dà modo di ottenere suoni più originali poiché sono io a scegliere lo strumento e chi lo suonerà, il posto in cui registrarlo, i microfoni e via dicendo. Mixando il tutto con le mie stesse mani posso spingere le mie composizioni ancora più in là. Oggi, con “Spirituality And Distortion”, ho finalmente potuto archiviare una parte di musica che era racchiusa nel mio cuore da molto, molto tempo, e che si è rivelata essere una vera sfida da portare a compimento, segno che con le mie precedenti opportunità non sarei mai riuscito a completare questo disco. Non sono sicuro che sia più o meno complicata o più estrema di prima, potrebbe pure essere così in fondo, ma ciò che ho in mente è di migliorare e spingere la mia musica il più lontano possibile, senza scadere nel “troppo complesso senza ragione” o “troppo facile perché è più semplice da realizzare”.

Prima di creare Igorrr, quando ti sei reso conto che il contesto breakcore potesse ben sposarsi sia col metal che con la musica barocca? Se per la musica pesante in sé la musica elettronica ha spesso trovato terreno fertile (penso al digital hardcore coi suoi riferimenti all’hc-punk, o la violenza di certa techno), mi ha sempre affascinato il collegamento con la classica ed il barocco.

Sai, penso di non essermi reso conto che il breakcore potesse calzare a pennello in contesti metal o barocchi finché non l’ho fatto. L’ho trovato istintivo proprio mentre stavo già lavorando come Igorrr, è stata una cosa ovvia, per me. Amo la musica barocca ed essa lascia un grande spazio vuoto per quanto riguarda suoni percussivi e brutali. Al contempo amo il death metal nella stessa misura, che a sua volta lascia enorme spazio all’inserimento di delicate e bellissime melodie. Questi due stili si sposano perfettamente, i nuovo come Yin e Yang, con Yin a giocare il ruolo del metal, la parte oscura, mentre lo Yang quello del barocco, la parte luminosa. La musica elettronica è più come il cemento, qualcosa che aggiungo nella parte compositiva per renderla più solida. Oggi come oggi costruisco le tracce con logica da architetto: destreggiarmi tra tutti questi stili per raggiungere un equilibrio perfetto e per far sì che ogni traccia si reggesse in piedi senza crollare ha richiesto un lavoro intensivo. Uso molto spesso breakcore ed elettronica in ciò che compongo davvero come una sorta di malta per aggiungere solidità alla struttura, ma altrettanto spesso mischio breakcore e barocco solo perché è fantastico, perché amo farlo.

Il mix di generi e culture fa parte del vostro DNA, anche vocalmente hai messo in campo parecchie situazioni, tra lirica e situazioni più brutali. Qual è la lingua (o le lingue) che più pensi si adattino di più alle tue composizioni? Ce n’è una che vorresti utilizzare?

Al momento il miglior linguaggio che utilizzo nella mia musica non ha liriche, poiché uso la voce come uno strumento perciò l’unica cosa che conta è la percezione istintiva della voce. Non voglio “inquinare” il messaggio universale del suono con liriche con un senso intellettivo o dai contenuti politici o religiosi. Voglio che le sensazioni della voce restino pure e che ci si concentri su come la “percepiamo”, non come la “pensiamo”. Abbiamo giusto dovuto fare un’eccezione per “Spirituality And Distortion” poiché George Fisher necessitava di liriche reali per cantare su Parpaing ma, a parte questo, Laure e Laurent [Le Prunenec e Lunoir, i due cantanti fissi del progetto, ndr] utilizzano un loro linguaggio impossibile da comprendere e a me piace che sia così così possiamo concentrarci al cento percento sul suono della loro voce. Quando è un violino a suonare, infatti, non ci sono parole, solo note ed intenzione, ebbene io voglio adoperare la voce allo stesso modo, con note ed intenzione umana.

Ammetto di non essere un grande fan dei Cannibal Corpse, ma il contributo di George Fisher su Parpaing è a dir poco perfetto. Ci racconti com’è stata l’esperienza con lui? Ci sono altri cantanti che vorrai assolutamente sui prossimi album?

Sembra folle dirlo così ma noi glielo abbiamo chiesto e lui ha accettato. Da quando ascolto metal ho il mio personale eroe musicale, il mio boss del death metal. Ebbene non potrei condividere con mia madre l’eccitazione di avere George “Corpsegrinder” Fisher su un mio album perché mi risponderebbe “e questo chi è?” ma tutti i metalhead potranno capire e condividerla con me nel sentire una sua nuova parte vocale. Parpaing è un pezzo veramente pesante e incompromissorio. Brutalità ai massimi livelli. Sylvain Bouvier ha contribuito alla batteria con una performance pazzesca, indisputabilmente potente e fragorosa mentre Martyn Clément ci ha piazzato su un riff di chitarra veramente assassino. E riecco che per spiegare la musica tornano in ballo i contrasti: Il perfetto contrasto che si può trovare per Parpaing, con le sue vibrazioni assurdamente pesanti, è quello con una parte Chiptune 8-bit, ed ecco perché ho suddiviso questo pezzo in tre parti: inizia come un canonico brano death metal, basilare e pesante come dovrebbe essere, poi contrasto il mood con il suo opposto, la musica ad 8-bit, poi la parte death ritorna prendendo a schiaffi e distruggendo la sezione 8-bit. Sapevo già come avrebbe dovuto essere il risultato sin dall’inizio ma, un giorno quando ho provato, giusto per divertirmi, ad inserire un altro verso di George, non sulla parte death bensì su quella ad 8-bit ho capito subito che era quello, era la musica perfetta che stavo cercando, il giusto collegamento, la combinazione di suoni assoluta, il Graal. Il death metal non ha nessun desiderio di suonare come un Chiptune 8-bit e viceversa ed è proprio per questo che ognuno dei due generi ha un sacco di spazio per completarsi. Merçi George. 

Mai come ora, secondo me, nella musica di Igorrr ci sia una sorta di sbilanciamento tra parte digitale e parte, diciamo così, acustica. È una cosa ponderata oppure, ancora una volta, si tratta di un’evoluzione naturale? 

Non ci ho davvero mai pensato. Mi muovo per sensazioni e vedo istintivamente dove dovrebbe stare e come dovrebbe suonare ogni elemento. Penso che “Spirituality And Distortion” sia stato creato in tale maniera di modo che gli elementi elettronici ed acustici dovessero essere combinati in un certo modo per renderlo più potente. Non credo possano essere tanto più sbilanciati che in passato, come puoi constatare in Nervous Waltz, Paranoid Bulldozer Italiano, Kung-Fu Chèvre o in altri brani, nei quali sezione elettronica ed acustica si sostengono a vicenda. Il modo in cui sono state usate su questo album è necessario per sottolineare ogni colore del suono al meglio possibile.

Parlando in generale, come vedi la musica digitale oggi, che viviamo in quello che 30 anni fa, nelle opere musicali, letterarie e cinematografiche, era il futuro?

Ritengo che le modalità di diffusione digitale della musica siano una gran cosa, altrimenti non potrei avere ogni singolo oggetto legato a tutta la musica che amo, e la mia collezione di CD e vinili sarebbe così enorme che il pavimento del mio soggiorno non ne reggerebbe il peso e finirebbe per collassare. Inoltre è positivo anche dal punto di vista ecologico, se quello che vuoi condividere con gli altri è la musica puoi fare a meno di utilizzare plastica e spedizioni con al loro posto servizi streaming e mp3. C’è comunque un lato negativo, ed è quello di dover fare affidamento a piattaforme e siti, soprattutto quando si parla di streaming, e viene dunque a mancare il piacere di veder la musica materializzarsi fisicamente. È qualcosa di veramente bello e speciale quando ricevi ed apri un CD o un vinile, ti sembra quasi di possedere e di essere parte integrante della musica stessa. Aggiungi il fatto che vendere i formati fisici è una perdita per quelle band che vivono grazie alla propria musica.

E, parlando di futuro, cosa c’è nel futuro di Gautier Serre?

Sopravvivere alla crisi del Covid-19! Per chiunque leggesse quest’intervista tra un po’ di anni, sto rispondendo a queste domande oggi, 25 marzo 2020, nel bel mezzo della pandemia globale del virus Covid-19 e tutti sono obbligati a stare a casa per settimane o forse mesi.

Grazie ancora per la tua disponibilità.

Non c’è di che!

Hi Gautier, first of all just know that everything you release an album we of ImpattoSonoro are eagerly waiting, the same was happening for “Spirituality And Distortion”, not just saying, we got a sort of fixation for your work. What do you feel for this record and what’s its genesis?

That’s really nice to hear, thank you for the interest you put in Igorrr. I feel very glad that we succeed doing this record, it’s every time a real challenge, I really mean it, it takes one hundred percent of my life doing such thing, and to be honest I’m happy to be still alive now with this piece of music in my hands. I never use the same recipe from one album to another, use the same ideas or use the same settings, it’s always something new, something in which I learn a lot from, this time again, I was going through a long and hard journey that was completely unknown to me, not being sure where it may leads neither if it would be good or not, I didn’t even know if I will be able to finish that album, I kept going instinctively, like in the fog. This process might be sometimes risky, as you invest all your life and all your money into something which has no guaranty at all to be a success and that you don’t create for anything else than pleasing your personal ideal of the musical perfection, which is something really subjective. Now that the music is finished, I feel happy, proud and I feel having something extremely valuable in my hands.  I’m sure, what I’m gonna say now is the same that all the bands are saying when they release a new album, but this is very true, I feel this is my best album. I really think it that way. The perspective on our future now is more connected with the live part, we gonna share and spread this music around the world, it’s pretty exciting, some people gonna understand and share the love of this music, some people will be afraid of it or just hate it, but it gonna be an very intensive thing anyway, and I can’t wait for it!

The title is a sort of oxymoron, two words that seems to collide listening the album not only do they cross each other but they overlap, fitting perfectly. You said that the idea came from mixing up amplifier’s distortions and profound oriental instruments. According to you what’s the meaning of distortion and what of spirituality?

It’s a bit like the Yin and the Yang, but extreme music version. In this album, the « Distortion » is the part which symbolise what’s wrong, what is a part of our life and that we should get ride of, and the « Spirituality » is what we need to face what our life became today, full of non sense and injustices. This title represent the hard balance to find between both of them and it represent a really important concept in Igorrr: the contrast.

In “Spirituality And Distortion“, you have a beautiful contrast with 2 opposite things, 2 opposite feelings that articulate each other very well, look at Downgrade Desert, Overweight Poesy or Himalaya Massive Ritual, you can experience a profound and spiritual music there with the middle east and Tibetan traditional instruments and voices, in those same tracks, together with this traditional instruments, you also have very brutal drum and guitar riffing. This is the contrast I mean. Same with Nervous Waltz, there is this very light and jumping baroque melody at the beginning, which is completely killed by the death metal coming right after. What I mean, is that the noise will never feel so noisy, only if you contrast it with its opposite: the silence, and the same on the other way around, the silence will never feel so silent, only if you contrast it with noise. The title “Spirituality And Distortion” express this idea that is really strong on this album, but also on the whole Igorrr discography.

Precisely on the record we find a lot of oriental sounds and instruments. Why and when you choose them to use in your music? I found a lot of common points with Secret Chief 3’s compositions (indeed there’re two of them in this project), and it’s a pity that’s hard to find this kind of influences in extreme music, nowadays.

The oriental sonorities are the best way to express what I had in my mind for those years, this urgent need of spirituality that the world in which we are living deeply needs. What we made of the world is not working properly and we can feel it, it’s full of non sense and injustices, this feeling inspired me something that I could express with the the red / orange colors of sound  that gives the Oud in Downgrade Desert, the sitar and percussions in Himalaya Massive Ritual and the Kanoun in Overweigh Poesy or even in a more crazy way, the oriental sounding guitar like on Camel Dancefloor, that’s the color of sound that I needed. You’re right mentioning Secret Chiefs 3 here as there are indeed two Secret Chiefs 3 musicians on this album, Timba Harris and Matt Lebofsky, it’s a hazard that they both performed in Secret Chiefs 3, I just picked them up because of their color of sound and how amazing they play. I wish too I would see and hear more middle east influence in extreme music nowadays. 

On the record’s track-by-track I was reading that you find a connection between music and certain colours. It’s a fascinating concept, a lot of people tried to theorizing colours (from Goethe to an infinity of different artists). How would you catalog them? You spoke about red and orange, but you didn’t use them for the artwork cover which instead is divided between light and obscurity.

Indeed I got what we call Synesthesia, it’s something which links the sound and the colors together, so basically on one side, I sometimes see colors when I hear a sound, and on the other side I can « paint » my tracks, using the instruments as different colors of paint. I wasn’t aware of this until some years ago, when I spoke to a friend about it believing at that time that everybody had this. Indeed I didn’t use all those colors on the cover as it would be too colorful and chaotic, the music is still very dark, the cover express something different than just a pragmatic list of every colors you will find in the album, the cover is more symbolic, like a form of life, fighting to survive, emerging in a dead environment represented as the desert. The color Yellow/Orange is the perfect color to express that « living » form and it contrasts very well with the obscurity of the desert.

Since “Nostril” Igorrr’s sound is getting tightened up, becoming more “complicated” and faceted. How do you consider this evolution? Record by record you seem to be more extreme.

I think the project has followed a natural evolution, starting from myself messing around with baroque samples and death metal computer music as a experimental background, until today, being able to record a real harpsichord myself in amazing studios, and to be able to record real drums, guitars and bass, but still having the same wish on mind. As the music I want to do is very specific, I cannot find samples for everything I need, at some point there is no existing samples of what I want so today, having this incredible possibility to record a oud, a kanoun, a cello, strings, piano, an harpsichord, an accordion and all sort of crazy stuff, it gives me the possibility to have a more original sound, because I choose the instrument, the player, the place to record, the microphones etc… and I mix it by myself, it gives me the possibility to push my music much further. Today with Spirituality and Distortion, I could finally archived a piece of music which was in my heart for a long, long time and which one very challenging to do, meaning that with the possibility I had before I could never have done this album. I’m not sure if it’s more or less complicated than before, more to less extreme, it might be indeed, but what I have in mind is to improve and push my music as far as I could, without falling in the « too complex for no reason » or « too easy just because it’s easier to do ».

Before creating Igorrr when you relized that breakcore context should fit as well with metal and baroque music? In heavy music I get it well (I’m thinking about digital hardcore for hc-punk and the heavier kind of techino) but I’ve been fascinating thinking about electronic music and baroque one.

I think I didn’t really realized that Breakcore might fit into a context of metal or baroque music until I actually did it, I found it instinctively when I was already doing Igorrr, it sounded obvious for me, I love baroque music, and baroque music leave a big empty space of percussive and brutal sounds, while I love death and black metal at the same level, and metal leaves a full space as well ready to receive delicate and beautiful melodies, those 2 styles marry each other so well, again like the Yin and the Yang, the Yin being the Metal, the dark part, and the Yang, being the baroque music, the bright part. Electronic music is more like a cement, something I add in my composition to make it more solid. I actually build my tracks with an architectural logic, juggling between all those styles required a intensive work to find the perfect balance, for each track to stand by itself without falling appart. Break core and electronic is used pretty often in my compositions as a kind of cement to add solidity to the structure, and sometimes also, I just mix Breakcore and Baroque because it’s awesome, I love it. 

Cultural and stylistic melting pot is being part of your DNA, vocally too, travelling within opera and more brutal situations. What language (or languages) d’you think that better fit with your compositions? There’s one that you’ll love to use?

Actually the best language to use in my music has no lyrics, I use the voice as an instrument, so the instinctive perception of the voice is only what matters. I don’t want to « pollute » the universal message of the sound itself by actual lyrics with an intellectual sens or a political or religious message, I want the feeling of the voice pure and focus on how we « feel » it, not how we « think » it. We had to make an exception on “Spirituality And Distortion” tho as George Fisher needed real lyrics to be able to sing on Parpaing, but beside that, Laure and Laurent sings in their own language, not possible to understand, and I like this way, we can focus 100% on the sound of their voice. Actually, when a violin plays, there is no lyrics, just notes and intention, well I use the voice in the same way, notes and human intention. 

I’m not a huge Cannibal Corpse’s fan, I’ve to admit it, but George Fisher’s collaboration on Parpaing is perfect. Can you tell us how was your experience with him? There are other vocalists that you absolutely want on your next records?

It’s crazy to say that, but we just asked him, and he accepted. Since I’m into Metal, I have my personal musical hero, my personal final boss of death metal. Well, I cannot share the excitement of having George « Corpsegrinder » Fisher on my music with my mom as she would answer : who’s that? but all the metal heads will understand and for sure, share this feeling of excitement to listen to new vocal parts from him. Parpaing is a very heavy track with no concessions at all. Full brutality. Sylvain Bouvier did a impressive performance at the drums. It is indisputably loud and powerful. Martyn Clément as well bring a absolute killing guitar riffing on it. Here again comes the contrasts to articulate the music : With Parpaing, and its ridiculously heavy vibes, the perfect contrast that can be given to that is a 8-bits Chiptune music, that’s why I set up this track in 3 parts, it starts with simple and normal death metal, as heavy and basic as it might be, then I contrast the mood with its opposite, 8-bits music, and then the death metal comes back, slapping and killing that 8-bits Chiptune music. It has been pretty clear in my mind of how this track should be from the beginning, but one day, when I tried, just for fun, to let go another George Fisher verse, not on the death metal this time but on the Chiptune, I felt like this was it, this was the perfect music I was searching for, the perfect link, the absolute combination of sounds, the Graal. Death metal has no wish to sound like 8-bits Chiptune music at all, and 8-bits Chiptune music has no intention to sound like death metal at all, that’s why each genre has plenty of space to fit each other. Merçi George.

According to me, never like now in Igorrr’s music there is a displacement between the digital side and the acoustic one. It’s thoughtful or a natural evolution?

I don’t really think about that, I go by feelings and see instinctively where the elements should be placed and should should sound, I think the album “Spirituality And Distortion” has been made in such a way that the electronic and acoustic elements should have been placed that way to make the album stronger. I’m not sure if they have been more displaced than before as you can meet them in Nervous Waltz, Paranoid Bulldozer Italiano, Kung-Fu Chèvre etc… electronic and acoustic stands all together. The way it has been used on this album I think was necessary to underline each color of the sound at their best. 

Generally speaking, how d’you see digital music today that we’re living in the so called future in movies, books and music of the past?

I see the digital way of spreading music as a great thing as my Cd and vinyls collection would be too huge to be able to keep a physical item of each music I love, the floor of my living room would not be solid enough to weigh so much and would collapse. Also, it’s a very positive thing ecological speaking to avoid plastic and shipping when what you want to share is just music, it seems to be more ecological than streaming and mp3. However, the bad side of it is that we depend of other platform and sites to listen to digital music, specially with streaming, and also we don’t have the pleasure to see a physical materialization of the music, which is something very special and joyful when you receive and open a CD and a Vinyl, you feel like owning a part of the music and being a part of it, it makes it very special, plus not selling Cd and Vinyls is a minus for bands that live from their music. 

Speaking of the future: what’s in the Igorrr’s one?

Staying alive during the Covid-19 crisis! For those who gonna read the interview in a few years, I’m answering this interview today, 25th of March 2020, in the middle of a mondial pandemic of the virus Covid-19 and everybody is forced to stayed home for weeks and months.

Thank you very much, Gautier!

You’re welcome!

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