Interviste

La sottile pesantezza del blu: intervista a A.A. Williams

L’ascesa fulminea di A.A. Williams ci ha inevitabilmente catturati. Nel giro di un anno ci ha donato un ottimo EP, un disco in collaborazione con i Mono e, infine, il suo stupendo album d’esordio “Forever Blue” (qui la nostra recensione). Quale migliore occasione per farci una chiacchierata con la cantautrice inglese, tra Deftones, Run The Jewels, musica classica e molto altro?

Iniziamo con le presentazioni: chi è A.A. Williams?

Sono londinese. Sono una musicista. Sono una cantautrice.

Nella tua biografia leggo che da bambina eri immersa nella musica classica. Cosa ti è rimasto di quel periodo? C’è qualche compositore che ascolti ancora, che ti piace suonare quando sei sola a casa, o che ti piacerebbe approfondire?

Credo che molto di ciò che ho imparato da bambina sia rimasto – il fatto che ti sia insegnato a legger musica sin da piccolo diventa una sorta di seconda natura, qualcosa che mi torna molto utile quando scrivo qualcosa di nuovo. Inoltre avere consapevolezza delle convenzioni delle composizioni tradizionali a cui si è esposti, ti apre la strada a diverse possibilità, mentre arrangi una nuova canzone. Anche sul versante della performance, che è qualcosa che faccio da quando ero giovane, ma sempre facendo parte di un ensemble piuttosto che da solista o essendo il punto focale della cosa. Passare al ruolo di cantante per me è stato strano nonostante fossi abituata a stare su un palco, ma mai in questo modo. Ci è voluto un po’ ad abituarmi all’idea di essere ascoltata individualmente. Continuo ad ascoltare molta musica classica, la trovo rilassante, e a volte mi colpisce emotivamente come nessun altro tipo di musica riesce a fare. Mi piacciono in particolar modo cori non accompagnati o musica per grandi orchestre. Parlando di compositori tendo a gravitare attorno a musica molto antica (Purcell, Byrd, ecc.) o classica più contemporanea, dal 1950 in avanti: Ligeti, Pärt, Stravinsky, Gorecki, Schnittke. In questi giorni spero di avere un po’ più di tempo per esercitarmi e fare qualcosa di più, soprattutto ora che il disco è uscito!

Dici che i Deftones ti hanno cambiato la vita, in qualche modo. Io li scoprii con “White Pony”, vent’anni fa quando uscì e in effetti cambiò il mio modo di approcciarmi ad un certo tipo di musica. Ha avuto un impatto incredibile su tutta la musica che andava all’epoca, soprattutto il nu-metal, trascendendolo. Tu con che album li hai scoperti e cosa ti colpì di loro? Tra l’altro il tuo modo di scrivere melodie e cantare mi riporta a certe cose proprio di Chino Moreno e la tua versione di Be Quiet And Drive mi ha incredibilmente emozionato.

La prima canzone che ho ascoltato dei Deftones è stata My Own Summer ed è stata una rivelazione. Sono andata subito a comprare “Around The Fur”, che a quel punto credo fosse uscito da un anno o giù di lì. È stato magnifico, mi ha aperto gli occhi ad un certo tipo di musica che non avevo mai ascoltato fino a quel momento. Queste bellissime melodie vocali che a volte includono scelte tonali poco ovvie accostate al lato più pesante della loro musica erano perfette per me. La combinazione di questi due elementi per me era totalmente nuova e me ne sono innamorata.

Nella serie Songs From Isolation compare anche un’altra bellissima cover, quella di Everyday Is Exactly The Same dei Nine Inch Nails, non proprio una scelta ovvia. Perché proprio quel pezzo? Non tutti amano “With Teeth” (io ad esempio lo adoro).

La serie Songs From Isolation era basata su suggerimenti dei fan e ce ne sono state molte sui Nine Inch Nails, quindi Everyday Is Exactly The Same mi è sembrata appropriata per quel periodo. Mi ha fatto anche considerare certe considerazioni pratiche: scegliere una canzone che funzionasse con la mia voce, che potesse adattarsi ad una strumentazione più minimale.

Dunque, cos’è per te la “musica pesante”? Anzi, meglio ancora, chi fa musica pesante? Perché secondo me, in un certo qual modo, anche la tua lo è.

Quando si parla di musica pesante non ci si riferisce solo al volume, ma anche ai testi, alla velocità, la tonalità e lo spazio tra le cose. Parlando di quel che io ritengo essere heavy al momento sto ascoltando “Run The Jewels 4”, è incredibile. Non intendo solo la pesantezza della produzione, la spazialità, i synth e i sub, al primo ascolto l’ho trovato davvero travolgente. Vengono affrontati molti problemi in un modo molto onesto e aperto e penso sia un ascolto importante.

Che dischi stai ascoltando in questo periodo di stop forzato?

Mi rifaccio alla risposta precedente.

Passiamo al tuo album, “Forever Blue”. Perché proprio questo titolo? Suona molto malinconico, come del resto anche i brani che lo compongono, ma io ci sento anche una sorta di, passami il termine, luminosità. C’è un qualche legame con il periodo tremendo che stiamo affrontando nel 2020, tra pandemia e terremoti sociali?

Forever Blue è il titolo di una canzone che mi piaceva molto ma che non sono riuscita a finire in tempo per poterla inserire nella tracklist del disco. Tutto modo per me il titolo accorpa tutto il mood dell’album, e anche il mio stato d’animo come persona. C’è un finto ottimismo che però è gravato da dubbi e paure. È un album che parla della condizione umana: cercare il tuo posto nel mondo, la costante ricerca della accettazione di se stessi, a volte ignorando certe emozioni negative per facilitare la vita di tutti i giorni.

Circa “Gish”, l’album di debutto degli Smashing Pumpkins, Courtney Love disse a Billy Corgan che suonava troppo maturo per essere un primo album. Lascia che te lo dica, ho pensato la stessa cosa di “Forever Blue”, tremendamente maturo per essere un debutto, ed è una cosa che ultimamente non si sente spesso. Ogni cosa è al posto giusto e suona perfetta così com’è. Sembra tu sia maturata tanto anche rispetto al tuo EP, uscito appena un anno fa. Senti che sia così o che tu debba ancora raggiungere questa maturità e che sia tutto nella mia testa?

Non ho mai davvero considerato la mia personale maturità mentre scrivevo, scrivo solo canzoni che mi piacciono completandole con la strumentazione che ritengo completi ogni singola canzone. Una delle ragioni per cui, probabilmente, l’album suona più maturo dell’EP è che ho avuto più tempo per lavorarci, per sperimentare cose, per raggiungere il suono che desideravo.

Parli dello scrivere testi come di qualcosa di terapeutico e di come mettere qualcosa per iscritto porti a liberarsi di una sorta di peso, ed è esattamente quello che ho provato ascoltando l’album. C’è un filo conduttore tra le liriche dei brani? Ce n’è qualcuno a cui sei particolarmente legata? Oltre ai musicisti che altri artisti ti hanno ispirata negli anni circa la scrittura, magari proprio qualche scrittore?

Non ascolto molta musica mentre scrivo poiché non voglio prendere idee altrui ed impiantarle nel mio lavoro. In pratica non c’è un concept però considero scrivere come un atto terapeutico. Sto cercando di lavorare al di là dei problemi, comprendendomi e valutando le mie emozioni. Facendo ciò è possibile che a volte io mi senta sollevata, essendo che ho lavorato su qualcosa di me trovando un nuovo punto di vista che mi mettesse a mio agio.

Ogni brano di “Forever Blue” sembra avere riflessi diversi, a volte ci sento Nick Cave, altre Marianne Faithfull, altre ancora i Sigur Rós, eppure è tutto omogeneo e originale, unico anche rispetto a tanti dischi che stanno uscendo in questi anni, quasi fosse un flusso. Come sei riuscita ad evitare scollamenti, a tenere tutto assieme? In che modo i musicisti che hanno registrato con te hanno contribuito alla stesura dei brani?

Creare un album con uno specifico mood non è stato intenzionale. Suppongo che l’umore che permea i brani sia intrisecamente collegato al fatto che essi abbiano un solo autore, essendo io l’unica autrice. Una volta scritte le canzoni, comincio ad inserire gli strumenti il mio bassista Tom [Thomas Williams, marito di A.A., ndr] scrive le sue parti, a volte con un mio contributo, a volte senza. Ad eccezione di basso e batteria (che viene aggiunta alla fine dell’intero processo) sono io a suonare tutti gli altri strumenti. Presumo che suonarne la maggior parte un’altra volta crei una maggiore sinergia tra gli elementi.

Di Fearless mi colpisce il dualismo tra la tua voce e quella di Johannes Persson dei Cult Of Luna. Da dove nasce l’idea di fondere qualcosa di toccante e “soft” con la distruttività del suo growl?

Proprio all’inizio del processo di scrittura mi è venuto in mente di inserire di includere parti di voce più “heavy” assieme alle mie. Mi sono messa in contatto con Johannes e li ha gentilmente accettato di comparire sull’album. Ero così felice. Solo dopo che lui aveva aggiunto le sue parti ho deciso di porvi sopra la mia voce, donando alla sua voce pesante più intonazione e delicatezza.

-n un’intervista leggevo che sei una violoncellista. È possibile che in futuro ti sentiremo esprimerti e suonare il violoncello oppure resterai fedele alla chitarra?

Lo sono! Suonare il violoncello e cantare simultaneamente è sorprendentemente difficile, dovrei pensare di scrivere qualcosa di specifico per far quadrare le cose. Forse è una cosa da provare per il secondo album!

Quale sarà il primo concerto a cui andrai quando sarà nuovamente possibile farlo?

Tutto dipende da quando ricominceranno a tenersi i concerti. In Inghilterra pare che sia qualcosa che non accadrà ancora per molto tempo. Dovrei sapere cosa ci sarà da andare a vedere quando tutto ripartirà!

Ti ringrazio per il tempo che hai concesso a noi di ImpattoSonoro. A te la libertà di chiudere l’intervista!

Nessun problema, grazie per avermi ospitata!

Let’s start with the presentations: who’s A.A. Williams?

I’m a Londoner. I’m a musician. I’m a songwriter.

In you biography I read that, as a child, you was into classical music. What remains of those years, musically? There’s some composer you still listen too, today, or someone you want listen to and you never did? Do you play some classical tune when you’re at home alone?

I think a lot of what I learnt when I was younger remains – you’re taught to read music from such a young age that it becomes totally second nature, something I find incredibly useful when I’m writing new material. Also the traditional compositional conventions that one is exposed to, having an awareness of them certainly opens you up to different options when you’re arranging a new song. The aspect of performing too – it’s something I’ve done since I was young, but always as a part of an ensemble, rather than as a soloist or being the focal point. Transitioning to being a singer was a strange thing for me – I was very used to being on stage, but never in this way, the idea that I would be heard individually took quite a lot of getting used to. I still listen to a lot of classical music. I find it very calming, and also sometimes it can just hit me emotionally in a way no other music can. I especially like unaccompanied choral works or large orchestral music. In terms of composers, I tend to gravitate to very early music (Purcell, Byrd etc) or more contemporary classical, from about 1950 onwards – Ligeti, Pärt, Stravinsky, Gorecki, Schnittke. I wish I had the time to practice properly these days – it’s something I’m very much hoping to do more of now that the album is out!

You said Deftones have changed your life, someway. I discovered them when “White Pony” was released, in 2000, and it changed my way to approach to a particular kind of music. It has had an unbelievable impact on what popular music was, at that time, especially on nu-metal, trascending it all the way down. With which album you discovered them? By the way your singing and writing melodies remind me of Chino Moreno. Your Be Quiet And Drive version really moved me. I love it.

The first Deftones song I heard was My Own Summer – it was such a revelation to me. I went and bought “Around The Fur“, I think it might have been out a year or so already by that point. It was wonderful – it completely opened my eyes to a style of music that I just hadn’t heard up till that point. These gorgeous vocal melodies that sometimes included less obvious pitch choices really worked for me – juxtaposed against the heavier sides of their music, the combination of the two was something so new to me and I just loved it.

In your Songs From Isolation series there’s also another great tune that is Nine Inch Nails’ Everyday Is Exactly The Same, not an obvious choice, I think. Why did you choose this song? Not everyone loves “With Teeth” (but me, i fucking love it).

The Songs From Isolation series was based on songs suggested by fans. There had been a lot of suggestions to include Nine Inch Nails, and Every Day Is Exactly The Same seemed so appropriate for the time. It came down to practical considerations too – choosing a song that worked with my voice, and that would be able to be stripped-back to a smaller instrumentation.

What’s “heavy music” for you, therefore? Even better, according to you who’s playing “heavy music” today (or in the past)? I think that yours is really heavy.

Heavy music doesn’t always to be about volume. It can be about the lyrics, the speed, the tonality, the space between things. In terms of what I think is heavy, at the moment I’ve been listening to “Run The Jewels 4” – it’s incredible. Not only weighty in its production, the spaciousness, the synths and subs – on the first listen I found it very overwhelming, there’s a lot of issues that are being dealt with in a very open and honest way, I think it’s such important listening.

What records are you listening to, in those days?

(See above)

-Let’s talk about your album, “Forever Blue”. Why this title? It sounds very gloomy as indeed the songs, but I can hear a certain brightness, so to speak. There’s some connection with the tremendous times we are all living, stucking between pandemic and social earthquakes?

Forever Blue was the title of a song that never made it onto the album. I liked the song a lot, but I never finished it in time for it to be considered on the track listing. The title however encapsulates the mood of the whole album for me, and the mood of me as an individual too. There is a feint optimism, but often it’s outweighed by doubt and worry. It’s an album about the human condition really – trying to establish where you fit in the world, the constant search for self acceptance, sometimes ignoring negative emotions to facilitate daily life.

Once I read that about “Gish”, the Smashing Pumpkins’ debut album, Courtney Love said that the record sounded too mature for a debut, for her. Let me say that I feel the same about “Forever Blue”. It’s so tremendously mature, something really rare to find out today. Everything is in its right place, and the music fit perfectly with anything else. It seems that you have further matured since your EP was released, one year ago. Do you feel the same or it’s a mind illusion of mine?

I never really considered my own maturity when writing, I just wrote songs that I liked, and completed the instrumentation that I though suited each song best. Possibly one reason that the album sounds more mature than the EP is that I have more time to work on it, more time to try things out, more time to achieve the sounds that I wanted.

You said that “verbalising something, you feel a weight has been lifted”, and that exactly what I felt listening to the album. There’s a fil rouge or a concept behind your songs’ lyrics? Is there any of it you are particularly attached to? What other artists, maybe writers, inspired you?

I don’t listen to much music when I’m writing, as I don’t want to pick up other’s ideas and implant them into my own work. There’s isn’t a concept so much, but I consider writing songs like therapy – I’m trying to work through issues, understand myself and assess my own emotions. In doing that sometimes it’s possible to feel relieved, having worked through something and found a new way of looking at it it can put you at ease.

Every “Forever Blue” song seems to keep different “reflections” inside, sometimes Nick Cave, sometimes Marianne Faithfull or Sigur Rós, but they end up being so original and harmonious, moreover, a unique mood today, comparison to other album I’ve listened to. How do you keep all of this together? In which way the other musicians are involved in writing songs?

It wasn’t intentional to create an album with a specific mood, though as the sole songwriter I suppose that the moods of the songs are intrinsically linked by having the same author. Once I’ve written the song and begun the instrumentation my bass player Tom will write the bass parts, sometimes with my input, some times without. Aside from bass and the drums (which are added at the very end of the process) each instrument on the album was performed by myself. I suppose performing the majority it again creates a synergy between the individual elements.

On Fearleass the dualism in between your vocals and the Cult Of Luna’s Johannes Persson ones, really striked me. Your “soft” and touchy side and his really aggressive growl are melted together and works perfectly. Where this idea came from?

Right at the beginning of the writing process I had the idea to include some heavy vocals alongside my own. I got in touch with Johannes and he kindly agreed to guest on the album, I was so happy – though only after he added his vocal did I decide to layer my own voice on top, to give his heavy vocals some added softest and pitch.

I read in an interview that you’re a cellist! It’s possible for us to hear you play cello instead of guitar, in the future, or you’ll remain loyal to your guitar?

I am! Playing the cello and singing simultaneously is surprisingly hard, I think I’d have to write something specifically to suit, maybe that’s something to try for album two!

What will be the first concert you will go to, when it’ll be possible?

It’s all going to depend so much on when venues can have live music again – in the UK it certainly looks like something that could be quite far away. I shall have to see what shows are on when they announce the re-opening!

Thank you for your time you have given to ImpattoSonoro. I hope to see you soon live in Italy. I leave you the last words for this interview!

No problem at all, thanks for having me!

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