Interviste

Visione artistica, coerenza e organicità: intervista a Marissa Nadler

Di Bob Accio ⋅ 17 Novembre, 2022 ⋅ Commenta

Da domani Marissa Nadler sarà in Italia per tre date live durante le quali presenterà il suo ultimo album “The Path Of The Clouds“, pubblicato nel 2021, oltre a ripercorrere una carriera artistica ormai più che quindicennale:

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Ne abbiamo approfittato per intercettarla e scambiare qualche impressione con lei, rivivendo il suo percorso artistico, sempre coerente ed ispirato.

Ciao Marissa, benvenuta in Italia. Siamo contenti di riceverti e seguire le tue vicissitudini artistiche, questo fatto non fa altro che dare valore ai nostri ascolti. Dagli esordi di “Ballads Of Living And Dying” (2004) e “The Saga Of Mayflower May” (2005) come vedi la tua trasformazione stilistica che ti ha portato all’estroverso ed extrasensoriale album del 2021, “The Path Of The Clouds”? C’è stata una cospicua elevazione e densità nella tua espressività, quali i punti cardine che sono rimasti costanti?

Ti ringrazio. Penso che sia stato un processo organico. Ho cercato di crescere e provare cose nuove ad ogni mia pubblicazione, mentre l’attenzione alla melodia e ai testi è sempre stata il fulcro nella scrittura delle canzoni.

Ascoltando il tuo timbro espressivo, lo assoceresti alla tradizione e alla visione sonora statunitense oppure la tua ricerca artistica si fonde con altre culture, come quella europea?

Penso che il processo e l’ispirazione giungano per osmosi. Ogni canzone, ogni film, ogni paesaggio, tutto ciò che mi circonda e mi colpisce confluisce in un calderone creativo collettivo che si nutre di tutto. Amo tutti i tipi di musica.

Ti piacerebbe parlare delle tue preferenze musicali da adolescente e di cosa ti ha spinto ad incamminarti sul versante dell’indie-folk? Quando è successo che ti sei riconosciuta nelle tue composizioni? Inoltre, un piccolo gioco: per favore, raccontaci la tua carriera musicale citando 3 dei tuoi album che meglio definiscono il tuo percorso.

Non mi sento legata a generi musicali in particolare, e penso anzi che la scrittura delle mie canzoni sia, o almeno spero, accessibile ai frequentatori del mondo indie. Da adolescente ero molto appassionata di rock progressivo, psichedelica, rock classico, jazz, blues e folk. Ci sono molte ispirazioni che si sono unite e molte altre stanno ancora riunendosi. Quei tre album potrebbero essere “Ballads Of Living And Dying”, “July” e “Path Of The Clouds”.

La tua versatilità artistica ha interessato una ricercata moltitudine di famosi estimatori con cui hai collaborato, questo testimonia ulteriormente la tua voglia di contaminazione o di calibrare al meglio la tua tensione vocativo/artistica attraverso l’incontro con altri artisti che consideri affini. Cosa ha significato per te lavorare con Randall Dunn in “July”?

Ogni persona con cui lavoro è importante per me allo stesso modo e do valore ad ognuna delle collaborazioni che ho intrapreso. Ho lavorato con Randall sia in “July” che in “Strangers”, ed è stata un’esperienza fantastica. È un maestro nel creare atmosfere sonore.

La tua strumentazione è cresciuta nel tempo, ha segnato, oltre al tuo marchio di fabbrica dettato dalla chitarra acustica, nuovi stati d’animo sonori. Divers of the Dust in “Strangers” del 2016 si apre ad esempio con un pianoforte insolito. Pensi di arrivare a un album orchestrale in futuro?

Mi piacerebbe tantissimo suonare e registrare con un’intera sezione d’archi. Adoro le sezioni di archi, come nella canzone Saunders’ Ferry di Sammi Smith. Ovviamente il punto è il budget, se mai potrò permettermelo, mi piacerebbe.

Che futuro vedi per la tua etichetta discografica personale Box Of Cedar Records?

Sono davvero contenta delle etichette discografiche con cui pubblico i miei lavori, Bella Union e Sacred Bones. Gestire una propria etichetta vuol dire invece dover svolgere un sacco di lavoro amministrativo extra e preferirei concentrarmi su attività creative, per quanto possibile.

Dall’indie-folk al dream pop, fino ai colori del country e del rock. La tua è comunque una musica fortemente autoriale che amplia lo spettro emotivo intimo e si diffonde in maniera sempre meno gotica. Qual è la tua filosofia di vita applicata alla musica?

Sto ancora cercando di venire a capo della mia filosofia di vita. Posso dirti che la vivo molto emotivamente e che le esperienze sensoriali sono le mie più grandi ispirazioni.

Ogni album è una fotografia del tuo stato esperienziale che si affina nel tempo, tuttavia i lavori precedenti rimangono immutati e pieni di bellezza, tanto che sembrano orbitare fuori dal tempo. Ascoltare i tuoi album equivale a fuggire da classificazioni di genere e mode che si estinguono nel tempo. È questo un tratto caratteristico di un cantautore che dà il massimo, o è una cosa naturale a cui aspiri per non rimanere imprigionata nei cliché?

Penso di aver sempre cercato di creare musica stando un po’ immersa in una bolla appartata, dentro cui provare a trascurare le influenze relative a mode o generi. Penso altresì che la buona musica dovrebbe davvero trascendere dalle tendenze di un particolare momento storico. Credo nel potere di una canzone, alla base del mio lavoro dedico immancabilmente estrema cura alla scrittura di ogni brano. Lo faccio per le ragioni più pure, quindi sono felice se creo qualcosa con cui posso convivere. Quando le persone si collegano emotivamente ad un mio lavoro, questo si tramuta in un’esperienza davvero straordinaria. Posso inoltre dirti che le mie aspirazioni non sono mai state indirizzate al riscuotere fama, ma piuttosto sono state rivolte alla ricerca di un’espressione artistica e allo scrivere canzoni nel miglior modo possibile.

Cos’è successo di grandissimo che ha rivoluzionato il tuo modo di “comporre”, di magnificare le tue visioni? Come hai trovato questa dimensione universale piena in cui cantare? Quali sono state le motivazioni viscerali che hanno impreziosito la gestazione di “Path Of The Clouds” e che hanno trovato nella sua esteriorizzazione questa concretezza tangibile e superiore?

Ho collaborato con molte persone per la realizzazione di “Path Of The Clouds,” ma il contributo fondamentale credo sia stato quello di Milky Burgesscon i suoi arrangiamenti strumentali. In precedenza aveva lavorato su di un sacco di album di Randall ed era nei Master Musicians of… quindi le sue influenze sono state rilevanti. Essendo rimasta intrappolata in casa per così tanto tempo durante il lockdown scrivendo intensamente, ho trovato ispirazione da storie di vita reale e ho avuto molto tempo per viaggiare con la mente.

Come hai scelto i tuoi “partners in crime”: Simon Raymonde (Cocteau Twins, Lost Horizons), Jesse Chandler (Mercury Rev, Midlake), Amber Webber (Black Mountain, Lightning Dust) ed Emma Ruth Rundle?

Siamo tutti amici. Simon ed io abbiamo collaborato in diverse canzoni della sua band Lost Horizons. È stato, per lui, un sogno enorme che si è avverato il poter aggiungere le sue linee di basso magistrali ad alcune di queste canzoni. Tutti quelli a cui ho chiesto di collaborare sono amici, sia perché ci siamo incontrati spessissimo in tanti anni di tour, sia per aver suonato insieme. Jesse Chandler e io ci siamo conosciuti tramite Simon, e mi ha anche insegnato a suonare il pianoforte. Emma e io siamo amiche da anni. Anche Mary Lattimore suona l’arpa nel disco. Amo la voce di Amber: con i Black Mountain siamo stati in tour insieme. Comunque, in generale mi sono rivolta alle persone che pensavo avessero un approccio sensibile e un grande orecchio, quindi tutto ha preso forma in modo davvero organico e naturale. Seth Manchester ha mixato l’album e ha fatto davvero un ottimo lavoro.

Quanto sono durate le sessioni preparatorie per completare l’album? Per favore, dacci un piccolo resoconto di questa esperienza che ora stai portando dal vivo in giro per il mondo.

L’intero processo ha richiesto circa un anno intero di sola scrittura sui testi e sulle melodie, prima ancora che la produzione fosse presa in considerazione. Tutto ciò è stato fatto da casa. Sono passata da Logic a Pro Tools e ho registrato le basi per le tracce, sempre da casa. In seguito, sono entrata in uno studio a Nashville chiamato Club Roar con Jesse Newport e ho ri-registrato tutte le voci servendomi di microfoni fantastici e a quel punto ho re-inciso anche le mie chitarre. Milky ha poi inserito anche le sue parti. Letteralmente ogni altra aggiunta è stata fatta da remoto, mandando le canzoni incompiute ai collaboratori e poi Seth ha mixato tutte le parti.

Cosa possiamo aspettarci dai tuoi prossimi concerti in Italia? E… cosa ti aspetti dall’Italia? Qual è il tuo rapporto con il nostro Paese?

Amo l’Italia! Non vedo l’ora. Sarà un set molto vario dal punto di vista del suono, spero di accontentare un po’ tutti.

Ti auguro tanta bellezza. Grazie per aver risposto a nome di tutta la redazione di ImpattoSonoro.

Hi Marissa, Welcome to Italy. We are happy to receive you and follow your artistic vicissitudes, this fact only gives value to our listening. From the beginnings of “Ballads of Living and Dying” (2004) and “The Saga of Mayflower May” (2005), how do you see your stylistic transformation that led you to the extroverted-extrasensory album of 2021, “The Path of the Clouds”? Was there a conspicuous elevation and density in your expressiveness, what are the key points that have remained constant?

Thank you so much. I think it’s been an organic process. I’ve tried to grow and try new things with each release, while the focus on melody and lyrics has always been the core of my song writing.

Considering your expressive form, would you link it to an American sound tradition / vision, or would your fusions also be wedged into other sound cultures, such as the European one?

I think the process, the inspiration comes from osmosis. Every song, every movie, every landscape/ they deep into the collective pot of material. It’s from all over. I love all kinds of music.

Would you like to talk about your musical preferences as a teenager and what made you put yourself on the side of indie-folk? When it happened that you recognized yourself in your compositions? Furthermore, a little game: please, tell us about your musical career by citing 3 of your albums that best define your path.

I don’t particularly adhere to genres and think my song writing is hopefully accessible to people in the indie world, and I think that it is. As a teenager, I was heavily into prog rock, psych, classic rock, jazz, blues, and folk. There’s a lot of inspirations that came together and are still coming together for me. Those three albums would be “Ballads of Living and Dying“, “July“, and “The Path of the Clouds“.

Your artistic versatility has interested a sought-after multitude of famous admirers with whom you have collaborated, this further testifies to your desire for contamination or to better calibrate your vocative / artistic tension through meeting other artists. What did it mean for you to work with Randall Dunn on “July”?

Each person is equally important to me, and I cherish every collaboration. I worked with Randall on both “July” and “Strangers“, and it was a great experience. He’s a master of creating sonic atmosphere.

Your instrumentation has grown over time, it has marked, in addition to your trademark dictated by the acoustic guitar, new sound moods. Divers of the Dust on 2016’s “Strangers” opens with an unusual piano. Do you think you will arrive at an orchestral album in the future?

I would love to have a full string section at some point. I love the string sections on songs like Sammi Smoth’s Saunder’s ferry one. Of course, budget is everything. If I can ever afford it, I would love to.

What future do you hold for the personal record label Box Of Cedar Records?

I’m really happy with my current record labels, Bella Union and Sacred Bones. Running your own label is a lot of extra administrative work and I would rather focus on creative pursuits, as much as possible.

From indie-folk to dream pop, up to country and rock colors. Yours is however strongly authoral music that broadens the intimate emotional spectrum and spreads in an increasingly less gothic way. What is your philosophy of life applied to music?

I think I’m still trying to figure out my philosophy on life. I will say that I experience it very emotionally, and that sensory experiences are my biggest inspirations.

Each album is a photograph of your experiential state that is refined over time, however the previous works remain unchanged and full of beauty, which seem to orbit out of time. Listening to your albums is equivalent to escaping from genre classifications and fashions that die out over a period of time. Is this a characteristic trait of a singer-songwriter who gives his all, or is it a natural thing you aspire to in order not to be imprisoned in clichés?

I think that I have always tried to create in a bit of a bubble, where I try not to pay attention to fads or genres. I think good music should really transcend trends. I believe in the power of a song, and at the root of my work is always a big focus on the songwriting itself. I’m doing it for the purest reasons, so I’m happy if I create something that I can live with. When people connect emotionally to the work, it’s a really amazing experience for me. I will say my aspirations have never been for fame but rather for artistic expression and to write the best songs that I can.

What happened that was extremely great that revolutionized your way of “composing”, of magnifying your visions? How did you find this full universal dimension to sing into? What were the visceral motivations that embellished the gestation of “The Path” and found this tangible, superior concreteness in its exteriorization?

I collaborated on “The Path of the Clouds” with a lot of people, but the main collaboration came with the instrumental arrangements by Milky Burgess. He’d previously worked on a ton of Randall’s album, and was in Master Musicians of… so, his influences as well contributed. Being trapped inside during lockdown for so long, writing wise, I sought inspiration from true life stories and found a lot of time to travel in my mind.

How did you choose your “partners in crime”: Simon Raymonde (Cocteau Twins, Lost Horizons), Jesse Chandler (Mercury Rev, Midlake), Amber Webber (Black Mountain, Lightning Dust) and Emma Ruth Rundle?

All are friends. Simon and I have collaborated on several songs for his band Lost Horizons. It was a huge dream come true to have him add his masterful bass lines to some of these songs. Everyone I asked is a friend, either through meeting during the many years of touring, or from playing together. Jesse Chandler and I met through Simon, and he also taught me piano. Emma and I have been friends for years. Mary Lattimore also plays harp on the record. Amber’s voice I just love and Black Mountain and I have toured a bunch together. I asked people who I thought had a sensitive approach and a great ear and it came together really organically. Seth Manchester mixed the album and really did a great job.

How long did the preparatory sessions last to complete the album? Please give us a small account of this experience that you are now taking live around the world.

The whole process took about a full year of just writing and lyric work and melody work, before production was even a consideration. All of that was done at home. I switched from logic to pro tools and recorded the basics for the tracks at home. I went to a studio in Nashville called Club Roar with Jesse Newport and re-did every vocal on great mics, and retracked my guitars. Milky also recorded his parts at the studio. Literally every other addition was done remotely, by me sending the unfinished songs to collaborators, and then mixing the parts in. Seth did that!

What can we expect from your upcoming gigs in Italy? And…what do you expect from Italy? What is your relationship with our country?

I love Italy! I can’t wait. It’s going to be a very sonically varied set with hopefully a little bit for everyone.

I wish you a lot of beauty. Thank you for replying on behalf of the entire ImpattoSonoro editorial team.